在西方的音樂史發展過程中，義大利無疑的在這段時間的推移中具有相當重要的地位。羅馬早在中世紀，便由教宗葛雷果一世（Gregory I, Saint, 540-604） 頒布命令重新整理了敘利亞（Syria），拜占庭（Byzantium），亞美尼亞（Armenia）等地區的禮儀音樂，而編成「葛雷果聖歌」（Gregorian Chant） 的關係，成為了當時的音樂重鎮。
文藝復興時，帕勒斯提那（Giovanni Pierluigi da Palestrina, 1525-1594）則是將他所擅長的複調音樂（Polyphony）這項音樂的藝術帶至了前所未有的頂峰，並為此樹立了高雅的宗教音樂風格。
巴洛克時期，義大利出現了為數可觀的音樂大師，舉凡蒙特威爾第（Claudio Monteverdi, 1567-1643）、亞歷山大‧史卡拉第（Alessandro Scarlatti, 1685-1757）、多明尼可‧史卡拉第（Domenico Scarlatti, 1685-1757），柯賴里（Arcangelo Corelli, 1653-1713）以及韋瓦第（Antonio Vivaldi, 1669-1741）。這些音樂大師分別在不同的方面將藝術發揚光大，蒙特威爾第的對位手法以及主調音樂和他的戲劇化風格，韋瓦第和柯賴里則在器樂鍵盤的音樂上做出了重要的貢獻。當時的義大利在音樂發展上可說是盛極一時，海頓、莫札特都曾到義大利工作過，並且歐洲各皇室爭相聘請義大利的音樂家擔任宮廷樂長。
古典時期之後，歐洲的音樂重心，漸漸的由義大利，轉移到了德奧地區。並且要到十九世紀之後，浪漫時期的義大利歌劇大量興起，才逐漸恢復義大利在音樂歷史中的地位，不過這僅限於歌劇的部分。雷史畢基（Ottorino Respighi, 1879-1936），則是在巴洛克時期之後，用器樂與管絃樂的作品復興了義大利的精神，讓自己在歷史的洪流留下響亮名聲，是一位擁有屬於自己風格的義大利作曲家。
第一次接觸這首作品時，短時間內，其實還無法立刻將之吸收，只覺得和聲複雜、結構龐大，並且技巧艱澀，是相當不好上手的作品。但在仔細的分析練習過後，卻深深被它所吸引住，樂曲裡細膩的絃律聲線，由鋼琴堆疊而出的壯闊和聲，快板樂章裡律動感強烈鮮明的節奏，在小提琴及鋼琴互相合作、抗衡中激盪出了有如交響樂般豐富的音響效果，如此豐富的音響甚至超越了一般室內樂作品。
這樣的作曲手法，確實是相當容易擄獲觀眾的耳朵，但如此龐大複雜的作品，在練習過程中往往是對演奏者是嚴苛的挑戰，但筆者認為這樣的挑戰，卻也是古典音樂讓演奏者對音樂歷史以及自身品味更加精確並且精進的良藥。也因此，筆者選擇了這部作品做為分析研究，企圖讓自己更能深入的體會到雷史畢基所要傳達的義大利文化以及精神。

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