一提起『音樂的結構』，十之八九，都不約而同地會蹦出『曲式』（form）這個字眼來。從古自今之各個音樂時期，無論是中世紀的單音音樂（monophony），文藝復興時期、巴洛克時期以複音音樂（polyphony）為主的時代，注重形式美上的平衡、要求客觀、以絕對音樂（absolute music）、主音音樂（homophony）為發展重點的古典音樂時期，強調情感宣洩的重要性、重視個人主義、尚主觀、以標題音樂（program music）為趨向的浪漫樂派，甚至於到二十世紀打破調性限制、解放節奏、將結構瓦解而形成解構…；在這漫長的音樂發展過程中，『音樂的結構』一直佔有一席之地，不曾被忽視過。
古典時期（Classical era）可說是最注重音樂結構的時代，但在這個時期，音樂的結構指的是『曲式』（form）；曲式在音樂中的地位變得大為提高，且明朗化，而音樂多以規律的樂句、樂段結構、分段式的結構（尤其為sonata form）原則呈現，其在曲式上的表現更被確立，並以終止式明確地劃分樂句；雖是如此，但實際的狀況卻是超出這個『曲式』框架的藩籬為多，這在莫差爾特（W‧A‧Mozart）、貝多芬（L‧v. Beethoven）（尤為後期）的作品中可發現到。浪漫時期（Romantical era），則和古典時期著重抽象的觀念、只求表現形式上“美的理想”大為不同；浪漫派的音樂是自由奔放的，形式上較無拘束、曲式對當代的作曲家而言重要性大為降低，他們所著重的是在內容及主觀的表現，古典時期的曲式仍常出現，但使用的伸縮性很大，樂曲中段落的結構更自由、多變化，因此將傳統的曲式加以變形屢見不鮮。二十世紀音樂中，曲式的地位則越見渺小；不過，可發現人們對『音樂的結構』認知，已由外在的曲式向內在的抽象結構發展，不可否認的，曲式是音樂結構中的一環，但萬萬不可在這兩者之間劃上等號啊！
結構主義所注重的即是事物的內在結構，但在內在結構之前，不可少的是表面的外在結構；從外在結構到內在結構，可探尋出其“本質”。本論文將結構主義的概念放進音樂的結構中，便可避免目光如豆地視『曲式』為『音樂結構』的等義詞，以較宏觀的角度來分析音樂的結構，從而在音樂創作上有一番醒思。